Redline: Échec Scénaristique ou Chef D’œuvre D’animation ?

A veces estamos dispuestos a renunciar a todo. Cuando la tristeza nos invade, nos revolcamos en la inacción, en lugar de buscar soluciones reales. Pero finalmente logré salir de este pozo por casualidad gracias al amor fraternal. Había pasado casi un año desde que había visto a mi hermano, y una noche, cuando finalmente me uní a él, me sugirió que vieramos Redline juntos. Y a decir verdad, esta película no me dejó indiferente. Pasé por una paleta de emociones muy diferente, desde la ira hasta el asombro, y desde la incomprensión hasta la aceptación. Esta película me permitió repasar mi forma de definir si una obra es buena o mala. Para entender de qué se trata Redline, primero sentemos las bases. Esta es la historia de JP, un piloto que compite en la carrera clandestina más dura y letal de la galaxia. En un universo futurista, los pilotos usan varias armas y mejoras para lograr la victoria. Mientras que JP fue descalificado, los competidores se retiran y le ofrecen la oportunidad de participar. The Redline tendrá lugar en el planeta Roboworld. liderado por un presidente tirano que se niega a que la carrera se realice en su casa y hará todo lo posible por vencer a los participantes. Me gustaría comenzar con lo que más me molestó, a saber, el guión. Al principio y al final de la película, JP tiene una visión. Vemos a un hombre de apariencia extravagante abordando un magnífico automóvil dorado, conducido por dos mujeres sublimes aparentemente enamoradas, o al menos, dedicadas a este hombre. Una vez terminada la película no tenemos respuestas sobre la identidad de este hombre, ni sobre sus motivaciones o sobre el motivo que empuja a JP a adularlo. El pensamiento que me viene es que probablemente sea una representación del ideal de éxito que imagina JP. El hombre se ve rico y está acompañado de hermosas mujeres, por lo que a JP le gustaría lograr lo mismo, lo que me parece reduccionista tanto para el héroe como para la imagen de la mujer en general que aquí se objetiva. Desde el principio, se nos presenta Frisbee, el socio de JP. Está obligado por la mafia a hacer que JP pierda por una apuesta amañada. Más adelante en el último arco, JP explicará que él y su amigo se involucraron en planes mafiosos para pagar las deudas que acumularon al pagar el equipo del automóvil. Finalmente durante la última carrera, Frisbee se encontrará en la misma situación que al principio pero se negará esta vez a perder a su amigo, sufriendo así la ira de los mafiosos. Poco antes, se presenta al mecánico, amigo de JP y Frisbee. Se dará cuenta frente a la televisión, que filma en primer plano la parte saboteada del vehículo de JP, que Frisbee vuelve a estar en problemas y lo va a salvar, eliminando simplemente a los mafiosos. ¿Cómo sabía dónde se celebraba Frisbee? Esta es una pregunta que quedará sin respuesta. ¿Por qué la cámara filma el sabotaje en primer plano? Seguramente por facilidad de guionista o por falta de imaginación. Durante el último arco de Roboworld, los rebeldes luchan contra la opresión de su gobierno. Pero, ¿por qué están luchando? ¿Cuáles son sus quejas? ¿Cuáles son sus demandas ? Nada de esto está detallado y se nos trata con una representación puramente simbólica, una dicotomía simplista entre los buenos y los malos. Entonces se me ocurrió un pensamiento que me pareció lógico. ¿No hubiera sido preferible que un gobierno así, simplemente aceptara que la carrera se lleva a cabo y así intentar dar una buena imagen de su planeta, en definitiva, hacer propaganda? Habría permitido un desarrollo más profundo de la actualidad del planeta, y también habría llevado a una reflexión más profunda, al ponerlo en paralelo con nuestro mundo o con otras obras. La última escena de la película nos muestra a JP y Sonoshee, la mujer a la que busca conquistar, a la que besa. Esta escena es seguida por un desvanecimiento que se conecta con un letrero estampado con "Amor" rodeado de pequeños corazones. Todo esto mientras se desarrollaba una pelea surgida del torpe uso de armas de destrucción masiva entre dos gigantescos monstruos. La película termina sin que veamos el final de la misma. En última instancia, no sabremos las consecuencias de la carrera. ¿Qué pasa con los otros participantes? ¿Qué pasa con Roboworld? ¿Qué pasa con los héroes? ¿Qué ganaron? Probablemente amor, “vivieron felices y tuvieron muchos hijos”, como el final de un cuento, pero un cuento basado en valores simplistas o incluso tontos, rayanos en lo inquietante. Por otro lado, sorpresivamente me enganché con la película sin poder quitarle los ojos de encima ni un segundo gracias a su forma. Cada momento que pasé frente a estas imágenes me asombró. Este es un anime gráficamente sublime y muy detallado. El Sakuga es impresionante. Todo se dibujó casi en su totalidad a mano en un esfuerzo por mostrar la vivacidad y la fuerza de la animación dibujada en una industria en la que el CGI es cada vez más importante. No pude evitar compararlo con otros trabajos del mismo estilo, como el videojuego “Borderlands” o incluso “Panty & Stocking” para seguir con la animación. Todo el sombreado es en negro intenso, lo que resalta los colores chillones elegidos y permite identificar claramente todo lo que sucede en la pantalla, a pesar de la dificultad que a veces tenemos para comprender su presencia. Da un aspecto cómico muy agradable y hace aceptable toda la exageración de la película. Y por una buena razón, Koike se inspiró en artistas como Frank Miller, el autor de Sin City, Mike Mignola, el diseñador de Hellboy y Yoshinori Kanada, animador japonés que trabajó en Mi vecino totoro, La princesa mononoke, pero especialmente en Galaxy Express 999 , que hará que Koike Quiero entrar en la animación. El diseño de los vehículos es delirante e inventivo. Podemos ver diferentes tipos : un coche clásico, otro que puede ir sobre el agua como un aerodeslizador, uno que puede excavar a gran velocidad, uno con gancho, otro que puede convertirse en un mecha, o incluso un coche que puede fusionarse con su piloto. Constantemente nos preguntamos qué pasará y cómo nos sorprenderá. Para dibujar vehículos tan complejos, el equipo de animación produjo modelos de automóviles a escala reducida como referencia para ayudarlos a mejorar los ángulos de aproximación y la perspectiva. A través de los viajes interestelares, se nos permite ver un rico universo en el que, lamentablemente, la película no se detendrá mucho tiempo. Entre estos planetas, uno es desierto y muy escasamente habitado, otro está devastado pero poblado por criaturas, cada una más extraña que la otra. Además, cada una de estas criaturas, aunque se benefició de poco tiempo de pantalla, me permitió imaginar muchas otras y preguntarme quiénes habitan este espacio tan hermoso pero generalmente desprovisto de vida. En muchas ocasiones, los personajes van a una velocidad vertiginosa y la sensación se transmite a la perfección. Los movimientos relacionados con los cuerpos y rostros de los personajes son coherentes pero exagerados. Cuando un piloto usa el nitro de su vehículo, su rostro se contrae, sus ojos están inyectados en sangre y le sangra la nariz. La imagen se alarga, se distorsiona, salen llamas de los motores indicando que los participantes están dispuestos a jugarlo todo por la victoria. Algunas ideas de puesta en escena resaltan toda la animación, como cuando JP conduce bajo el capó de los vehículos de sus oponentes para adelantarlos, o cuando pierde el control de su vehículo y comienza a rebotar en el agua antes de alcanzarlos. Las animaciones clave son verdaderos cuadros de arte y los intervalos son fluidos y armoniosos. El paisaje sonoro de la película está igual de logrado, especialmente el doblaje y el diseño sonoro. La versión japonesa es muy buena. Sentimos toda la profesionalidad que llevan el seiyuu Unshou Ishizuka así como el famoso actor y músico Kimura Takuya. La versión francesa también tiene éxito, gracias a un reparto competente que incluye a Benoît Du Pac, Isabelle Volpé o Marc Bretonnière, que transcribe a la perfección las emociones en la voz. La versión en inglés es a mi parecer la mejor ya que sublima este universo muy inspirado en las carreras americanas de Nascar, aunque no reconocí ninguna voz en particular. Para los elementos más presentes en pantalla se trabaja cada sonido. Los autos tienen su propio ruido de motor, parecido a los ruidos de las carreras de Fórmula 1 o los rallyes. Las explosiones, desde la bala más pequeña hasta la explosión nuclear, siguen el mismo patrón y son emocionantes. La música compuesta por James Shimoji acompaña a la perfección el tema de la carrera con un ambiente techno urbano cercano a la música del anime Initial D. Al principio no entendía esta película. Lo absurdo del escenario me irritó al principio y luego me hizo reír. Todavía compartí un momento excepcional con mi hermano. Tras el visionado, salimos a la calle y respiramos el aire puro, aprovechando la calma de la naturaleza para recuperarnos del frenesí de la película. Lo discutimos durante horas mientras nos reíamos mientras buscábamos claves para entenderlo. En medio de la acción no entendía nuestras reacciones, pero en retrospectiva pude hacerme nuevas preguntas: ¿Mi experiencia con las películas animadas podría pesar en la balanza? Me es imposible clasificar a Redline entre todos los que he podido ver. Soy incapaz de ello ya que mi opinión se divide entre, por un lado, su animación legendaria y, por otro, su escenario rayano en el ridículo. ¿Por qué entonces tal contraste entre sustancia y forma? Una de las explicaciones sin duda está en los creadores de Redline. Tenemos por un lado a Takeshi Koike que firma la película. Dirigió, hizo un guión gráfico, lo animó y también hizo los personajes, los autos y los decorados. Aquí hay una antología de las obras más famosas en las que pudo trabajar. Por otro lado, tenemos a Katsuhito Ishii escribiendo el guión aunque compartió la escritura con Enokido Yoji, Yoshiki Sakurai y el mismo Koike. Takeshi Koike es un animador estrella de Madhouse. Los productores detrás de anime como Death Note, Trigun, así como películas de Satoshi Kon y Mamoru Hosoda. Es un estudio mítico y el más importante de los 2000. Trabaja allí desde 1986 ocupando varios puestos a lo largo de su carrera. Comenzó como intermediario en animes como Midnight Eye Goku o Wicked City en los que estará bajo la dirección de Yoshiaki Kawajiri. Este director tendrá una gran influencia en él y le enseñará a encontrar su propia manera de expresarse a través de la animación. Por lo tanto, es natural que Koike luego evolucione hacia la animación clave. Me llama especialmente la atención su trabajo en el opening de Samurai Champloo, el ending de Zankyou no terror y la OVA Dead Leaves. Takeshi Koike es un hombre que tiene muchas funciones ya que también fue el animador jefe en varias series de Madhouse. Más recientemente, fue diseñador de personajes en el anime Yasuke, pero también en las películas de Lupin III, transformando así la estética de la obra de culto del mangaka, Monkey Punch. Lupin III es un proyecto que ocupa un gran lugar en la carrera de Koike ya que se encargó de la realización de varias películas de la licencia. Nos interesará especialmente el papel de director que tuvo a partir de los años 2000. Es especialmente conocido internacionalmente por dirigir el episodio “Récord mundial” de la película de antología Animatrix. Esta es una compilación de nueve cortos animados basados ​​en la trilogía Matrix, escritos y producidos por los Wachowski. La película rastrea la historia de la serie Matrix, incluida la guerra original entre la humanidad y las máquinas que condujo a la creación de Matrix. Koike también dirigió el piloto del anime Iron man y Afro Samurai. Fue en 2009 cuando Koike se asoció con Katsuhito Ishii en la película Redline, cuya producción llevó siete años en total, lo que representa el equivalente a 100.000 fotogramas dibujados a mano. La inspiración de Redline se remonta a su infancia durante el boom de los superdeportivos con animes como Speed ​​Racer, Machine Hayabusa o la película americana The Cannonball Team. Las dos chicas que aparecen en los primeros 5 minutos de este último también fueron su principal inspiración para Super Bons. De hecho, Koike e Ishii ya habían colaborado en 2003 en la OVA “Trava First Planet” que es el preludio de la película Redline donde seguimos a los dos extraterrestres Trava y Shinkai en su nave espacial. Estas dos personalidades también tuvieron la oportunidad de trabajar juntas en "Party 7": una comedia imaginada y dirigida por Ishii y de la que Koike dirigirá el opening, que realmente lo dará a conocer por su talento y le servirá de trampolín para evolucionar hacia otras posiciones. También conocerán allí al animador surcoreano =) cuyo estilo muy cómico y dinámico influirá fuertemente en Koike. Ishii, por su parte, tiene una carrera menos ocupada, pero igual de reconocida. Es sobre todo director y director, en particular en toda la parte de animación de la película "Kill Bill: Volumen 1" de Quentin Tarantino en 2003, y en la película "Funky Forest" en 2005. A partir de entonces, volverá a trabajar con Koike. sobre películas de Lupin III. Ambos disfrutaban de sus diferentes trabajos y, por lo tanto, lógicamente terminaron en Redline. Ishii escribiendo sus delirantes escenarios, y Koike animándolos con mano magistral . En una entrevista, se explica que Ishii le da mucha libertad. Una vez que ha mostrado una idea aproximada de lo que quiere, Koike puede organizarlo como quiera. Esta dinámica entre ambos ha dado lugar a una animación desenfrenada, un universo demente con personajes tan molones como carismáticos. La película es probablemente de Takeshi Koike, para enfatizar la animación y alentar a los espectadores a ver la película como una demostración de animación en lugar de solo una película. En cuyo caso mi malentendido vendría por un error por mi parte, el de haberme querido centrar en el guión cuando su objetivo, la esencia misma de la película, está en la animación. Lo mejor de tener una historia tan simple es que permite a los espectadores concentrarse en las lujosas imágenes que se presentan. Si la pasé tan bien viendo esta película, probablemente también sea porque compartí este momento con alguien a quien amo. La efervescencia que provocó este reencuentro me hizo adorar este momento y no me arrepiento ni un segundo de haber visto a Redline en su compañía. Creo que eso definitivamente marcó la diferencia. Si hubiera conocido a Takeshi Koike antes de ver Redline, habría sabido adaptar mi juicio en consecuencia y me habría centrado en la animación y mi experiencia seguramente habría sido diferente, pero no fue así. La animación es de una calidad excepcional mientras que el guión carece de retoques y un mensaje realmente interesante en mi opinión. Diría que Redline es a mis ojos un nanar al más puro estilo. Pero, ¿qué es un Nanar? Una película hecha en primer grado y con sinceridad que, al final, no llega a su público, es vanguardista o simplemente tan mala que se convierte en excelente. Redline es una pepita única. Volvemos a lo que dije al principio del video cuando hablé sobre cómo juzgar una obra buena o mala. Dependiendo de nuestra experiencia, del proceso creativo o del contexto en el que veamos una película, nuestra apreciación variará necesariamente. Entonces, en última instancia, ¿es una mala película? Imposible de decir. Es una película centrada en la animación que les recomiendo ver teniendo en cuenta esta idea. Aprovecha la oportunidad de compartir este momento con alguien, quien podrá reír contigo en momentos surrealistas y apreciar la calidad de la animación. ¿Te gustó este video? Dinos en los comentarios. No dudes en compartir el video, suscribirte y poner un pulgar azul, es bueno.